6月15日，《相》陈锦摄影展在成都开展，展期一个月。展出的25幅作品，拍摄的对象不是人，不是建筑，而是“5·12”地震后什邡、绵竹等地寺观禅院外的佛像。摄影师陈锦用3年多的时间拍摄完成并首次展出。

　　1992年，陈锦推出了被评论家评价为中国摄影新时期里程碑式著作之一的《四川茶铺》摄影专辑，获得了中国摄影的最高奖。这么多年，摄影对陈锦来说，是一个复杂的工程，对于他拍摄了20多年的《茶铺》是这样，如今的《相》更是如此。他说，“拍照越来越方便，每个人都掌握相机，人人都是艺术家。”他还说，“摄影如今成为大众艺术，对于我们这种搞摄影很多年的人来说，也提出了更高的要求。”

　　一次转型

　　展览设在铁像寺水街艺坊的二楼，开幕后，前来观展的700多位观众被分批放入。一方面，是因为木质的地板不能同时承受太多人，更重要的一点是，人少才能体验到展览的一些特别设计。

　　姗姗来迟的巴蜀文化学者袁庭栋看完后，连着惊呼了两次，“陈锦，你的转型太陡了！”

　　袁庭栋指的是他所熟悉的陈锦作品《茶铺》和《市井》与如今的《相》，无论从哪一个角度来看，似乎都是一次跨越。

　　《相》开幕的同时，几步之外，陈锦的《茶铺》也在铁像寺水街一条休闲回廊中展出，这里的茶铺取名为陈锦茶铺，为他的作品设置了一个实物模型。1992年，陈锦推出了《四川茶铺》摄影专辑，被评论家评价为中国摄影新时期里程碑式的著作之一，他也由此曾获得中国摄影的最高奖：金像奖。

　　一眼就能体会到“转型”的意义，因为两场展览太不同了。《茶铺》简单明快，是成都文化的代表；《相》则考究神秘，从视觉和嗅觉上制造了一条连接影像和观众的特殊纽带。“各种形式的摄影展，图片的呈现和编排，严格意义上讲，不是从艺术作品角度上去观看，而是从组合上去反映一个内容。所以作为艺术作品，要做一个相应的设计和展示方式，通过展厅的营造，从视觉、听觉甚至嗅觉去全方位的营造一个氛围。”陈锦说。

　　在《相》的展厅中，灯光被调得极暗，一束束的光线仅打在每一幅似油画的影像作品上，熏香的味道勾引着观众往这神秘感的长廊深处走。展览还加入了实物塑像和视频故事，静止的和运动的，现实和虚幻等等元素，展览也想借此留住匆匆忙忙来观展的观众。

　　一种思考

　　2008年“5·12”地震后，陈锦没有立刻进入震区。“之前看到许多同行拍的很多地震时的照片，崩溃的人群，坍塌的房屋甚至受损的寺庙，我都深受触动。直到2008年底，我才去。那个时候，重建已经开始，很多东西都不一样了。”

　　大半年过后再去，现场已经有了很多变化，重建工作正在进行。看到寺庙和雕像，布满藤蔓和青苔，“当时特别有感觉，在想用什么样的方式去表达这样一个题材，边拍边思考。”

　　从2009年到2012年，陈锦一有空，就会反复的去什邡、绵竹等寺庙受损集中地，一个场景，在春夏秋冬四季中的变化，镜头的远近，强调的重点，都被他反复审视、拍摄。

　　“灾难让人有一种新的思考。我这组照片尽量跳开记录形式的表达，更多的是希望引起更深层的思考。反思人与自然、人与社会之间的一种关联。人在面对人生的坡坡坎坎，甚至疾病和死亡的一个态度等，这些都是我在拍摄过程中在想的问题。”陈锦说，其实每一个初到现场的人，看到地震造成的毁坏场景，都会由心地感到震撼，每个人的心态也是一样。但多去几次之后，慢慢心就沉下来，能够去体会和思考，应该用什么方式去表达，把内心的东西借眼睛看到的展示出来，而不仅仅是把看到的东西，也让别人看到。

　　一个符号

　　《相》的主角在陈锦的拍摄中，是一个符号，借以表达摄影师对灾难和人生的思考，同时，这个符号又与文化紧密关联。

　　“我们单一从塑像的角度来讲，你仔细去看，会发现虽然有些毁坏了，但它们的面相却都很生动，有着人的味道，或者说烟火味，不是模式化的雕像。”在拍摄后期，许多雕像都在重塑，但陈锦发现，“过去的师傅或工匠对自己的要求更严格，过去人们价值观、对人性的理解，都浓缩在这一尊尊的塑像中，不要把它仅仅看成一个雕塑，而是另一种角度的审美、观看。”

　　在具体拍摄时，同样的角度，陈锦会拍很多张。为了突出变化，鲜花盛开与残雕对比，景物就会拍的远一些；为了突出新生的青苔，镜头就会相应近一些，两张照片放到一起，让观众找到一种关联，体会到人生的循环往复。这也是陈锦在备展阶段，通过挑选和组合不同片子想要表达的观点。

　　“在后期制作的时候，我感觉到这批片子可以在不同的时段，呈现出各种可能。再过几十年，再用这批片子做展览，在选取和后期处理上都可能不一样，都要根据那个时候的理解来处理。就像现在的展览已经和当时我所看到的有区别了。”陈锦会做轻微的后期处理，例如在色调和明暗对比上突出个人色彩，使影像感更强。

　　“我记得在后期拍摄时，内心其实是非常享受的状态，似乎跟对象之间已经在进行一种沟通。尽管它们是没有生命的东西。”在长期的观察下，陈锦赋予了拍摄对象鲜活的含义。“按照我的理解，这些都是关于生命的哲学和思考，让身处这种环境的人去想这些内容。”

　　一项工程

　　摄影对于陈锦来说，不是咔嚓一下的动作，而是一个复杂的工程。拍摄了20多年的《茶铺》是这样，如今的《相》更是如此。

　　许多人对陈锦的认识，都留在茶馆和市井里，突然看到《相》，会觉得视觉上的骤然转型。陈锦却说，自己只是在面对不同阶段和不同对象时，用了不同的方法而已。“茶馆的意义就在于真实、客观，历史需要这个即将消失的东西。”陈锦所拍摄过的题材都不是他的首创，但他总能目标明确，内涵充实。这也是为什么如今提起成都老茶馆，人们只会联想起他。

　　“茶馆有着浓厚的地域文化色彩，正在改变消失，每个摄影师都会觉得有义务有责任去把它留下。但过多的构图和光影用在拍摄对象上时，往往会干扰和背离客观存在，造成某种假象。”老实面对对象，恰当真实记录，把那样一段成都人的生活和文化现象留下来，这是陈锦在拍摄茶馆时最明确的目的。

　　1992年，《茶铺》一登场，立刻引起了关注，陈锦说，就因为他这种老实的拍摄方式被认可，被接受。而对比起来，《相》有着不同的目的和拍摄手法，艺术创作的成分更大，拍摄对象本身显得不那么重要了，只是一个承载了摄影师思想的符号而已。“ 拍茶馆，对象的含义更为重要，是在记录和传播一种文化，这个行为的意义甚至是高于艺术创作的。”在茶铺的拍摄中，陈锦和观众都已经不单单是从摄影的角度来拍照和审美，而是从社会学、人类学，甚至经济学等各个方面来研究记录这一种文化。

　　陈锦也在不同题材的拍摄中学习积累，提升自己对对象的认识和理解。这是在“人人都是摄影师”的现实中，职业摄影师对自己的挑战和要求。

　　“退回去30年，玩照相机的人极少，拍照是一件很费钱的事情。也正因为如此，那个时候拍出来的东西稀有，照片本身有意义和存在的价值，这都是历史的证据，也是影像本身的力量。但随着社会和科技的发展，拍照越来越方便，每个人要掌握相机，所以人人都是艺术家。”陈锦说。

　　“摄影如今成为大众艺术，对于我们这种搞摄影很多年的人来说，也是提出了更高的要求。怎么样在大众摄影的社会背景下，做出自己与众不同的东西，需要提升自己，找到一些不同的方式和路子以及特别的表现手法。”

　　摄影师要把内心的东西借眼睛看到的展示出来，而不仅仅是把看到的东西，也让别人看到。